Stephen Shore is one of the most influential photographers of our time, acknowledged especially for his pivotal role in the rise of colour photography in the 1970s. Less familiar is the wide range of his experimentation with various cameras, formats and modes of dissemination – from amateur and vernacular forms early in his career to digital technologies today. Encompassing the entirety of Shore’s career, and including over fifty images published in this book for the very first time, Stephen Shore: Solving Pictures allows for a fuller understanding of the artist’s singular vision and uncompromising pursuit of photography’s possibilities.

L’extension de la ” société des loisirs ” menace-t-elle la culture ? Divertissement populaire et ” culture savante ” sont-ils conciliables ? Dès le début du XXe siècle, le futurisme avait voulu ébranler une culture jugée surannée, en opposant un spectacle de music-hall à une tragédie de Racine. Dans les années 1920 et 1930, Dali et les surréalistes avaient relayé cette apologie du cabaret, de ta fête foraine, des films et des romans populaires. Après-guerre, les situationnistes de tous bords avaient trouvé dans une contre-culture joyeuse et hédoniste un antidote à l’ascétisme du mouvement moderne. Aujourd’hui, les artistes contemporains, de disciplines et de sensibilités très diverses, de Pierre Huyghe à Andreas Gursky, de Martin Parr à Maurizio Cattelan, se sont emparés de ces questions. Au siècle de l’urbanisation galopante, la mutation rapide des villes est au coeur de leurs interrogations. Des études de Robert Venturi consacrées au Las Vegas des années 1970 à l’ouvrage de Rem Koolhaas New York Délire, qui fait du Luna Park de Coney Island l'” incubateur ” mythologique de Manhattan, des cités idéales rêvées par Watt Disney aux fantaisies architecturales des urbanistes de Dubaï ou de Shanghai, Dreamlands retrace les étapes d’une métamorphose ludique de la ville, qui est peut-être aussi celle de la culture, à l’heure du tourisme de masse.

Picasso, Duchamp, Cocteau, mais aussi Hemingway, Joyce ou Chanel: Man Ray les a tous photographiés. En 1921, lorsqu’il arrive à Paris, l’artiste américain devient portraitiste, pour gagner sa vie. Dans son studio de Montparnasse, il photographie autant ses amis dadaïstes et surréalistes que les Américains de Paris ou les personnalités de la mode, du spectacle et du cinéma. En 1940, l’invasion allemande l’oblige à retourner aux Etats-Unis. Installé à Hollywood, il photographie l’intelligentsia européenne qui s’y est réfugiée, les acteurs et les producteurs américains : Thomas Mann, Jean Renoir, Paulette Goddard ou Ava Gardner. De retour à Paris en 1951, c’est désormais en couleurs qu’il fixe l’image des vedettes du moment: Yves Montand, Juliette Gréco ou Line Renaud. Sans équivalent pour la période, cette extraordinaire archive dessine le visage d’une époque. Elle prend place aux côtés des autres grandes collections de portraits de la vie culturelle française, celles d’un Nadar pour la seconde moitié du XIXe siècle, ou du studio Harcourt pour l’après-guerre. En 1994 et 1995, le Centre Pompidou-Musée national d’art moderne recevait en dation et donation 12 304 négatifs provenant de l’atelier de Man Ray. Cette collection unique au monde est aux deux tiers constituée de portraits. Ce n’est qu’après un long travail d’inventaire, d’identification et de numérisation qu’il a été possible de mesurer l’importance historique et documentaire de ce fonds. Le présent ouvrage vient parachever ce processus. Avec près de 500 négatifs reproduits en positif, des notices biographiques recontextualisant les personnes représentées, deux essais de Quentin Bajac et Clément Chéroux, ainsi que des textes de Man Ray lui-même expliquant sa façon de travailler, ce livre souhaite faire découvrir à un large public cette étonnante collection de visages. Il a aussi pour ambition de redonner à Man Ray la place qu’il mérite dans l’art du portrait au XXe siècle.

Negli anni ’60, con il sopraggiungere della Kodak Instamatic e della Polaroid, la fotografia passa in mano agli amatori. Nello stesso tempo, il fotogiornalismo, dinanzi al crescente dominio della televisione e delle limitazioni del diritto all’immagine, ridefinisce le sue regole di diffusione: vengono create nuove strutture e agenzie, nasce un nuovo tipo di reportage d'”autore”. Gli artisti, dal canto loro, si impossessano della fotografia per farne una pratica “antiartistica” cui si comincia ad attribuire un valore commerciale senza precedenti. Con la creazione di musei e di festival dedicati, la fotografia viene definitivamente inserita nella storia dell’arte. Analizzandone le sfide estetiche e sociali, Quentin Bajac, ridisegna in questo libro 50 anni di fotografia fino alla rivoluzione digitale. Nel nostro XXI secolo, saturo d’immagini, Bajac pone l’interrogativo cruciale sull’autorevolezza del mezzo: la fotografia racconta ancora la realtà?

A comprehensive reference traces the history of photography from the invention of the daguerreotype in 1829 to the breakthroughs in digital photography today, covering such key themes as portraits, still lifes, photojournalism, and NASA images while exploring the ways that the use of pictures has influenced public perspectives. 12,500 first printing

The Museum of Modern Art has one of the greatest collections of 20th-century photography in the world. As one of three volumes dedicated to a new history of photography published by the Museum, this publication comprises a comprehensive catalogue of the collection post-1960s and brings much-needed new critical perspective to the most prominent artists working with the photographic medium of the late 20th and early 21st centuries. At a moment when photography is undergoing fast-paced changes and artists are seeking to redefine its boundaries in new and exciting ways, Photography at MoMA serves as an excellent resource for understanding the expanded field of contemporary photography today.
The book begins with an in-depth introduction followed by eight chapters of full-color plates, each introduced by a short essay. Over 250 artists are featured, including Diane Arbus, John Baldessari, Jan Dibbets, Rineke Dijkstra, William Eggleston, Lee Friedlander, Louise Lawler, Zoe Leonard, Helen Levitt, Sigmar Polke, Cindy Sherman, Wolfgang Tillmans, Jeff Wall, Carrie Mae Weems, Hannah Wilke and Garry Winogrand, among many others.

Sans doute le plus grand sculpteur du XXe siècle, Brancusi utilisa largement le film et la photographie dans les années 1920-30 ; non seulement pour documenter son oeuvre mais aussi la penser. En effet, ces images mettent en effet deux de ses caractères essentiels : les relations changeantes entre la sculpture, l’espace et la lumière, que l’appareil permet d’enregistrer, et les rapports d’une sculpture à l’autre, réunies dans un même cadrage. Outre les sculptures et l’atelier, on découvre l’artiste au travail, ses modèles et amis comme Man Ray, ainsi que d’étonnants autoportraits, études de matière et expérimentations photographiques. Les photogrammes et nombre de photographies sont ici publiés pour la première fois. L’impression en quadrichromie permet de rendre les diverses teintes des tirages noir et blanc originaux. Trois essais éclairent la notion transversale de reproduction, l’usage spécifique du cinéma et les liens de Brancusi avec Man Ray. Ils sont accompagnés d’un important appareil critique. Cet ensemble propose, à travers le prisme inédit de l’image, une vision nouvelle tout à la fois de l’homme, de l’artiste et de l’oeuvre.

Stephen Shore’s Uncommon Places is indisputably a canonic body of work―a touchstone for those interested in photography and the American landscape. Remarkably, despite having been the focus of numerous shows and books, including the eponymous 1982 Aperture classic (expanded and reissued several times), this series of photographs has yet to be explored in its entirety. Over the past five years, Shore has scanned hundreds of negatives shot between 1973 and 1981. In this volume, Aperture has invited an international group of fifteen photographers, curators, authors, and cultural figures to select ten images apiece from this rarely seen cache of images. Each portfolio offers an idiosyncratic and revealing commentary on why this body of work continues to astound; how it has impacted the work of new generations of photography and the medium at large; and proposes new insight on Shore’s unique vision of America as transmuted in this totemic series.
Texts and image selections by Wes Anderson, Quentin Bajac, David Campany, Paul Graham, Guido Guidi, Takashi Homma, An-My Leê, Michael Lesy, Hans Ulrich Obrist, Francine Prose, Ed Ruscha, Britt Salvesen, Taryn Simon, Thomas Struth, and Lynne Tillman