Edi Rama (born 1964) is an Albanian artist and the leader of the Socialist Party of Albania. Edited by Anri Sala, this volume collects his doodles, made on printouts of his daily agenda, office notes, protocols, faxes and other official correspondence.

In the wide-ranging contemporary debates about visuality and the emergence of the modern spectator, the significance of panorama painting in the nineteenth century is frequently cited. Stephan Oettermann’s book The Panorama provides the first major historical study of the rich phenomenon of the panorama in English, offering a valuable and much-needed source of historical details and ideas about one of the most influential forms of visual entertainment in the nineteenth century. In this richly illustrated book, Oettermann gives readers a concrete sense of the structural and experiential reality of the panorama and the many forms it took throughout Europe and North America — a crucial task, since very few of the original nineteenth-century panoramas survive. At the same time, he outlines the many ways in which these remarkable and often immense 360-degree images were part of a larger transformation of the status of the observer and of popular culture. Thus, the panorama is treated not only as a new kind of image but also as an architectural and informational component of the new urban spaces and media networks. For anyone interested in the origins of contemporary visual culture, this book will be indispensable.

Nel gran proliferare di espressioni editoriali (riviste, librerie, case editrici) che hanno caratterizzato il periodo dal ’68 fino ai primi anni ottanta, un posto particolare spetta all’editore Giorgio Bertani, per la capacità che ha avuto di ospitare nel suo catalogo le voci più significative del pensiero critico di quegli anni. Frutto di un lungo lavoro di ricerca tra archivi e storia orale, questo libro ripercorre la storia di una casa editrice e della città in cui è nata, Verona, all’epoca laboratorio di culture antagoniste, al pari di Milano, Bologna e Padova, all’interno delle tensioni culturali e politiche che animavano questa sorta di triangolo. Tra testi eretici, successi editoriali, premi Nobel, censure poliziesche, ristampe e incontri internazionali, vengono raccontate la vita e le passioni di un editore che diventano specchio di un’epoca di ribellioni. Da Dario Fo a Horst Fantazzini, da Georges Bataille a Franco Berardi Bifo, da Paul Nizan a Jacques Derrida, dai Tupamaros all’IRA, da Giangiacomo Feltrinelli a Felix Guattari, dal Vietnam alla Cina, da Franca Rame a Gilles Deleuze… e così ancora per altre vie di fuga in una prospettiva vertiginosa che attraversa fuochi del pensiero e insorgenze sociali, questo è Giorgio Bertani editore ribelle. Un libro e un docufilm, un intreccio di testimonianze che vuole raccontare quegli anni senza indugio alla nostalgia, per mettere in moto desideri, critiche e creazioni. Il libro contiene un’ampia rassegna a colori delle copertine più significative del catalogo Bertani e i contributi di intellettuali e scrittori che hanno fatto parte di quella stagione come militanti e che continuano ad animare il panorama culturale ancora oggi, come Antonio Moresco e Carlo Rovelli. Il docufilm “Verona city lights”, con interviste inedite allo stesso Giorgio Bertani e a tutti i protagonisti di quella stagione, è arricchito dalle musiche inedite di Claudio Fasoli.

L’anno 1966 sembra essere una sorta di annus mirabilis per quanto riguarda la sessualizzazione dell’editoria popolare italiana. L’uscita nelle edicole di un settimanale come “Men” e, qualche mese prima, di due testate a fumetti come “Goldrake” e “Isabella” costituisce, di fatto, un punto di non ritorno nel processo di sdoganamento dell’erotismo nelle abitudini culturali del nostro Paese. “Play, men!” rappresenta un tentativo di sistematizzazione della stampa per adulti a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta. Dai fumetti neri ai primi timidi nudi fotografici, dagli exploit porno-chic di “Playmen” fino allo scivolamento nell’hard, questo volume offre uno sguardo d’insieme sulla miriade di riviste che popolavano la fascia di consumo “vietata ai minori”, un settore tanto centrale dal punto di vista commerciale e della produzione di immaginario, quanto ancora poco esplorato dagli studi sui media.

Mario Nigro (1917-1992) è stato dalla fine degli anni quaranta un autentico protagonista delle ricerche astratte internazionali. L’astrattismo dinamico di Nigro, nutrito della sua formazione scientifica e musicale, coniuga la libertà cromatica di Vasilij Kandinskij con la strutturazione geometrica di Piet Mondrian, instaurando anche, a partire dagli anni sessanta, un dialogo vitale con l’architettura. Forme elementari e colori primari, linee e intrecci di sagome sono articolati alla ricerca di uno spazio e tempo totali, in variazioni e modulazioni visuali, anticipando le riflessioni sul segno e sul colore che caratterizzeranno le tendenze radicali e Minimal dei decenni successivi. Affidato alla cura di Germano Celant, il volume rappresenta la prima ricognizione scientifica e sistematica dell’opera di Mario Nigro, arricchita da una cronologia documentaria che ne ricostruisce anche il contesto creativo. Esso ripercorre così la sua opera coerente e multiforme dal 1947, anno di maturazione del suo personale linguaggio, alla sua scomparsa. Quarantacinque anni di lavoro nei quali l’artista muta continuamente il proprio vocabolario visivo, pur restando fedele alla propria idea conoscitiva dell’arte, anticipando tendenze e linguaggi in dialogo con il panorama internazionale.

New series of photographs by Geert Goiris, addressing the topic of our contemporary oil culture. Commissioned by Rubis Mécénat cultural fund, Goiris was given permission to the Rubis Terminal sites in Rouen and other sites in Europe. He tackles the subject from the outside, limiting himself to that particular moment when oil is seemingly without drama. This is not about the technical feat of extracting the oil from the earth, nor about the economic, social and/or geopolitical effects generated by its existence. Rather it is about the in-between stations, the moments when oil is only potentially active. Limited edition with print.

1974 est l’année de la reconnaissance par le Portugal de l’indépendance de la Guinée Bissau, le PAIGC est le Parti Populaire de la Libération de l’Angola fondé par Amilcar Cabral, figure centrale de la lutte pour l’émancipation des colonies portugaises.

The Revolution Will Not be Televised is a powerful and dramatic film about the charismatic and controversial Venezuelan President, Hugo Chávez. It charts the seven-months run-up to the dramatic attempt to overthrow him in April 2002 and provides an eye-witness account of the coup d’etat and the extraordinary return to power of Chávez some 48 hours later. Unique footage of Chávez, the new icon of the Left and thorn in the side of the US administration, is assembled in this electrifying documentary. This book outlines how a popular and prize-winning documentary fast became controversial and subject to extensive attack including a formal BBC enquiry. It describes the production and reception of a documentary that shocked an entire country, in the context of the contemporary global economy of the media. The book and DVD of the film illuminate contemporary politics in Latin America and raise key questions for documentary filmmaking and film studies.

František Drtikol (1883–1961) is considered to be the first Czech photographer enjoying international fame. Anna Fárová’s legendary exhibit in Prague in 1972 led to the rediscovery of his briefly forgotten work. This elaborate, illustrated volume is devoted to the nude portraits, one of the focal points in Dritkol’s oeuvre. Art Nouveau and Symbolism were strong influences on his early photographs, in which his nudes are presented as dreamy nymphs or femme fatales. After the end of World War I, he developed his own fascinating photographic style, characterized by geometric elements, expressive, dynamic poses, and dramatic lighting. An “Art Deco photographer,” as Fárová called him, Drtikol was inspired by Futurism, Expressionism, and Cubism to discover his own lyrical, formal vocabulary.

In 1952 Umbrian artist Alberto Burri scandalized art critics and audiences worldwide with burned wood, flame-red paintings, dramatic combustions of plastic, and a black that was the color of tar. Indifferent to the twin temptations of modishness and the market, Burri made a name for himself first in the United States and then in his native Italy. Burri: Seen/Unseen sets out to reveal many of Burri’s previously unknown works. As such, it bears wintess to Burr’s ability to continually invent new combinations of forms and materials, and documents his love for small-scale formats*which serve as proof that nontraditional materials can be used even in the most minute and precise forms of painting. Burri: Seen/Unseen traces the artist’s creative activity from his earliest works to his later years and provides an in-depth examination of his excursions into previously unexplored aesthetic territories.

Prominent art critic Peter Schjeldahl once wrote that “to know the art of Ed Ruscha, you should know something about Los Angeles, and the reverse: knowing something about Ruscha’s art will help you with Los Angeles.” Today Edward Ruscha is considered a major voice in postwar American painting and one of contemporary art’s most significant graphic artists. Edward Ruscha: Editions 1959-1999 presents the entire oeuvre of this innovative artist, whose subject and sensibility are uniquely American. Ruscha began his career as a commercial artist, and the visual language of advertising and his interest in typography as both word and image have exerted a profound influence on his art over the years. He says, “I like the idea of a word becoming a picture, almost leaving its body, then coming back and becoming a word again.” His works often depict the interplay between bold letterforms and a more atmospheric background, a visual strategy that has become a Ruscha signature. For example, in Hollywood (1968), Ruscha created a panoramic image of low hills dramatically silhouetted against the blazing heat and hazy sky of a California sunset. The word Hollywood, reminiscent of the famous sign, sits directly on the horizon, angled toward us in capital letters and seemingly emerging from the setting sun itself.

This catalogue raisonné was published on the occasion of the exhibition of the same name, originating at the Walker Art Center, Minneapolis, and traveling to the Los Angeles County Museum of Art and other venues through early 2001. Both the catalogue and the exhibition document 40 years of Ruscha’s innovative work, and they feature 17 artist’s books, such as Twentysix Gasoline Stations (1963); a group of photographs taken on the historic Route 66; and some 300 prints, including a fragrant installation made entirely of paper sheets screen-printed with chocolate. Two large, slim, silvery hardback volumes are presented in a handsome black fabric-covered slipcase. Volume 1 illustrates hundreds of prints, books, and other projects with small, numbered images laid out like a series of film cells or words going by on an LED sign. Volume 2 includes entries for each piece and essays about the prints and artist’s books, neither of which have ever been discussed in a publication of this scope. –A.C. Smith

Best known for his “joke paintings”?Henny Youngmanesque jokes painted on monochrome canvases?and iconographic images of biker chicks and Marlboro men “rephotographed” from magazine ads, Prince has produced a body of art that works best in accumulation. It would be hard to appreciate one joke painting more than another or to delineate the artist’s development through his “girlfriends” series. Yet, taken as a whole, these disparate works form a complex reflection of contemporary society, its media cultures, and the prejudices of the art world itself. Because of the serious questions he raises, the work also lends itself to a tedious reductionist analysis that too often dulls the emotion and ignores the inherent humor of the pieces. This book offers the best of all views into Prince’s world: 235 reproductions selected by Prince?both his own pieces and images from magazines?are served up free of any interpretation. Even the dustjacket merely lists titles. While those unfamiliar with Prince may need some encouragement to spend a day contemplating these often apparently conventional images, they will be rewarded.

Des autobiographies dessinées relatant l’aventure d’une maison ou d’une revue du 9e Art (Futuropolis, Métal Hurlant) aux ouvrages étudiant les visages encore hypothétiques de la chaîne du livre à l’heure des éditeurs et libraires en ligne, on ne compte plus les titres consacrés au monde de l’édition. Par delà tout effet de mode, on y verra le signe que la pratique est suffisamment riche et adulte pour être élevée au rang de patrimoine. Mais le signe d’une angoisse également, de perdre ce qui a fait date, contemplé dès lors avec une certaine nostalgie. L’ouvrage-catalogue édité par le Musée royal de Mariemont ne déroge pas à la règle et vient se greffer par la même occasion sur une autre «promotion» de l’édition : son entrée au musée. Tandis que l’on célèbre les éditions du Seuil au Centre Pompidou, ce sont, pris aux quatre coins de la Belgique, quatre éditeurs que Mariemont vient de mettre à l’honneur dans une exposition : Imschoot, uitgevers (Gent), mfc-michèle didier (Bruxelles), Yellow Now (Liège) et Yves Gevaert (Bruxelles). «Livres d’artistes», la production de ces maisons se prête assurément mieux que d’autres à la contemplation. Mais en soulignant également des livres dédiés à l’art contemporain, ce sont bien avant tout des trajectoires éditoriales que le Musée consacre ici. Prolongement papier de l’événement, qui parlera aussi bien à ses visiteurs qu’à ceux qui n’auraient pas eu le temps de s’y rendre, 4 éditeurs fait à la fois office de carte d’identité à entrées multiples et de petit panorama de l’édition artiste en Belgique. Au total, quatre catalogues descriptifs bien documentés et illustrés, trois entretiens menés par Pierre-Jean Foulon et François Mairesse, une présentation d’Yves Gevaert par Yves Gevaert, un avant-propos d’A. A. Bronson, directeur éclairé de la librairie Printed Malter, Inc., à Manhattan («Ceci n’est pas un livre d’artiste») et une rétrospective fort éclairante des initiatives du Musée de Mariemont, depuis ses débuts, dans le domaine du livre — et plus spécifiquement depuis les années 1980. Surface située aux extrêmes lisières du marché éditorial, le secteur du livre d’artiste se déploie ici dans toute sa complexité. On découvre avec intérêt les réflexions de Dirk Imschoot sur l’internationalisme de l’édition artiste, ou sur les rapports entre tirage ultralimité et accès démocratique à l’art. On suit pas à pas le «challenge» de Michèle Didier d’éditer l’oeuvre d’On Kawara. On approfondit avec Guy Jungblut, par delà le cinéma, les multiples facettes de Yellow Now en mettant notamment l’accent sur la diffusion. On considère un peu mieux, quoique brièvement, le passage d’Yves Gevaert de l’édition à tirage limité aux essais. Jamais redondant, 4 éditeurs apporte une vision nuancée de l’édition de livres d’artistes, fidèle à la variété de ses représentants. Un monde prototypique où chaque livre, peut-être plus que partout ailleurs, pourrait bien être le dernier.

French/Austrian artists collective founded in 1999 and based in Vienna Superamas take on dance with materials from other areas of life. In their BIG-trilogy (2002-2006), the performance collective Superamas addresses themes such as reality TV, artificial intelligence, show business, and happiness, humorously deconstructing their formal conventions and social underpinnings. In this volume nine authors revisit and explore the trilogy with topical concept and vocabularies, next to dialogues with Superamas on their creative processes, a full DVD documentation of the trilogy and a series of photographs. In the wayward realm of post-art, spectacle, unreality, criticality, and over-identification, one meets cheerleaders and desperate househusbands, a cadaverous stewardess and Adornos stuntman. Edited by Jeroen Peeters, and with texts by Rudi Laermans, Alexandra Baudelot and others.

Electronic games have established a huge international market, significantly outselling non-digital games; people spend more money on The Sims than on “Monopoly” or even on “Magic: the Gathering.” Yet it is widely believed that the market for electronic literature–predicted by some to be the future of the written word–languishes. Even bestselling author Stephen King achieved disappointing results with his online publication of “Riding the Bullet” and “The Plant.” Isn’t it possible, though, that many hugely successful computer games–those that depend on or at least utilize storytelling conventions of narrative, character, and theme–can be seen as examples of electronic literature? And isn?t it likely that the truly significant new forms of electronic literature will prove to be (like games) so deeply interactive and procedural that it would be impossible to present them as paper-like “e-books”? The editors of First Person have gathered a remarkably diverse group of new media theorists and practitioners to consider the relationship between “story” and “game,” as well as the new kinds of artistic creation (literary, performative, playful) that have become possible in the digital environment. This landmark collection is organized as a series of discussions among creators and theorists; each section includes three presentations, with each presentation followed by two responses. Topics considered range from “Cyberdrama” to “Ludology” (the study of games), to “The Pixel/The Line” to “Beyond Chat.” The conversational structure inspired contributors to revise, update, and expand their presentations as they prepared them for the book, and the panel discussions have overflowed into a First Person web site

Il Museo Nazionale delle arti del XXI secolo mira a diffondere e valorizzare le ricerche artistiche e architettoniche più attuali, al fine di aprire la cultura artistica italiana a una nuova stagione di riflessione sulla contemporaneità artistica, che diviene il baricentro di un’articolata attività di ricerca, conservazione e documentazione nonché di uno specifico impegno dedicato alla formazione di nuove leve di critici e studiosi. È con questo intento che il Ministero per i Beni e le Attività culturali e il MAXXI hanno istituito nel 2006 un premio per la miglior tesi di laurea e dottorato di ricerca dedicata all’arte contemporanea italiana. Questo volume presenta il lavoro di Elena Del Becaro dedicato all’opera di Ketty La Rocca. Ricostruisce il percorso di una delle personalità artistiche più originali italiane tra anni Sessanta e Settanta, in una lettura che va oltre la ricostruzione storica riuscendo a collocare il lavoro dell’artista nel quadro d’insieme del vivace panorama artistico italiano del periodo.

La copertina di un giornale illustrato è la sintesi grafica di un microperiodo sociale, una settimana, un mese. Mettere in fila centinaia di copertine dal 1960 alla fine degli anni Settanta crea un clamoroso caleidoscopio di immagini significanti. L’idea originale di questo libro stimola la memoria visiva ai rimandi e ai raffronti temporali-sociali. Migliaia di immagini a colori in cui cronologicamente si aggiorna, si trasforma, si evolve la sintesi iconica della donna protagonista, simbolo di potere, feticcio erotico, nell’epoca più importante per lo sviluppo culturale e la crescita economica dell’Italia.

First published in French in 1994, quickly acclaimed as a photobook classic and since republished and enhanced, True Stories returns for the fifth time, gathering a series of short autobiographical texts and photos by acclaimed French artist Sophie Calle, this time with four new tales. Calle’s projects have frequently drawn on episodes from her own life, but this book–part visual memoir, part meditation on the resonances of photographs and belongings–is as close as she has come to producing an autobiography, albeit one highly poetical and fragmentary, as is characteristic of her work. The tales–never longer than a page–are by turns lighthearted, humorous, serious, dramatic or cruel. Each is accompanied by an image; each offers a fragment of life. The slim, portable volume is divided into sections: the first is composed of various reflections on objects such as a shoe, a postcard or “the breasts”; the second, “The Husband,” of recollections of episodes from Calle’s first marriage; and the third gathers a variety of autobiographical recollections. Calle herself is the author, narrator and protagonist of her stories and photography; her words are somber, chosen precisely and carefully. One of the 21st century’s foremost artists, Calle here offers up her own story–childhood, marriage, sex, death–with brilliant humor, insight and pleasure.

A key figure in the emergence of Italy as an important centre fore design in the 1960’s, Mario Bellini is renowned for his elegant, dramatic and often poetic designs for, among others, Olivetti, Cassina, B&B Italia, Vitra and Artemide. He was the subject of a one man retrospective at the Museum of Modern Art in 1987, the recipient of eight prestigious Compasso d’Oro industrial design awards, the Editor–in–Chief of the influential architecture and design magazine Domus (1986–91) and continues to produce architecture and design for clients and locations all over the world. Features: – Richly illustrated with over 500 images including sketches and photographs from Mario Bellini’s archive, opened publicly for the first time. – A complete catalogue of Bellini’s design work, thematically presented, from calculators, typewriters, office and banking machines, to chairs, tables, sofas, and lighting. Features a series of essays, including an interview with Mario Bellini, covering the various aspects of his career and design processes.

Chandigarh is a unique city, besides being one of the newest city of the twentieth century that is characterized by the seal of Le Corbusier, who planned the city and was also the architect of its most emblematic buildings. In Chandigarh, you will also find the work of a large team of architects led by the partner of Le Corbusier, Pierre Jeanneret who along with the British Maxwell Fry and Jane Drew conducted the master plan and built public housing and facilities much needed in the city. As a result, Chandigarh is one of the reference cities of the Modern Movement. Also worthy of noting are Indian architects (such as MN Sharma, A. Prakash, BP Mathur and JK Choudhury) who collaborated with Le Corbusier and Jeanneret to turn Chandigarh into a reality. Although unknown to most, they have played an important part of modern and contemporary Indian architecture. With this useful guide, you will discover the city and its architecture through three types of routes, depending on how the traveler plans their trip, as well as suggestions for other places you can visit on the outskirts of the city. Each itinerary offers practical information to enjoy the architecture, and visitors will be introduced to the culture and lifestyle of the city.

Il libro propone un viaggio nella stratificata e plurale ricerca di Corrado Levi, artista, scrittore, architetto, docente, collezionista e attivista, senza dubbio una delle figure più singolari e interessanti del panorama artistico e culturale contemporaneo. L’ambito di osservazione prediletto è quello delle arti visive, attraverso la lettura sistematica di circa 150 opere, in gran parte inedite, nonché i preziosi contributi di Luca Massimo Barbero, Beppe Finessi, un’intervista all’artista di Maria Villa e un profilo biografico tracciato da Damiano Gullì. L’apparato iconografico è proposto come un itinerario visivo e narrativo: le opere sono infatti raccolte in sezioni tematiche, dai titoli suggestivi, capaci di restituire il ricco e multiforme alfabeto visivo e semantico di Levi. Chiave di lettura privilegiata è il tema del corpo, ricorrente con continuità e molteplici varianti nella poetica di Levi, dai primi lavori quaranta, fino alle grandi tele degli anni ottanta o alle installazioni e alle performance più recenti. Seppur raramente rappresentato in maniera esplicita, bensì più spesso intuito mediante allusioni e rimandi, il corpo è per l’artista il luogo “eletto”, evocato, tramite indizi, in una sorta di potente e poetica sineddoche; in altre parole un territorio emotivo e fisico capace di raccogliere, contenere, plasmare e amplificare oltre i propri confini la poetica di Levi. L’edizione è promossa dall’artista stesso e dalla Galleria RIBOT di Milano che lo rappresenta. Il progetto grafico è dello studio Leonardo Sonnoli che, in un dialogo con l’artista, ha evocato il tema del corpo sulla copertina: il nome dell’artista è composto attraverso le impronte, traccia fisica della presenza corporea e, al contempo, trasposizione visiva dell’autorialità.

«Non sono un mercante d’arte, sono un gallerista» amava ripetere Leo Castelli. Per i suoi artisti è stato molto di più: un mecenate. Dall’apertura della prima galleria nel 1957 fino alla morte nel 1999, Castelli domina la vita culturale newyorkese ed eleva lo status dell’artista americano, che in quegli anni raggiunge la vetta più alta nel panorama artistico mondiale. Con lui si afferma la figura del gallerista polivalente. Imprenditore e infaticabile scopritore alla perenne ricerca del nuovo, è pronto a correre rischi e a servirsi delle strategie commerciali più efficaci per dare visibilità ai suoi protetti. Affiancato da Ileana Sonnabend – ex moglie con cui mantiene un rapporto di grande complicità – Castelli incoraggia i talenti emergenti e li promuove presso le istituzioni museali. Tramite una vasta rete di rapporti internazionali reinventa le regole del mercato e rivoluziona la cultura artistica stessa. La scoperta di Jasper Johns, suo artista feticcio, e la consacrazione di Robert Rauschenberg alla Biennale di Venezia del 1964 sono solo i primi colpi messi a segno. Si susseguono numerose altre epifanie – Frank Stella, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, James Rosenquist, Cy Twombly, per citarne solo alcuni – che lo confermano come creatore di miti. Ma chi è Leo Castelli, l’uomo che ha atteso i cinquant’anni per aprire la sua prima galleria? Dietro il carisma di europeo affabile e mediatico si nasconde un uomo dalle molteplici identità. Nato nel 1907 a Trieste da genitori ebrei, Leo trascorre i primi trent’anni nelle grandi città d’Europa – Vienna, Milano, Budapest, Bucarest, Parigi. La sua traiettoria professionale inizia con l’esodo rocambolesco nel Nuovo Mondo per fuggire al drammatico contesto politico-sociale delle leggi razziali naziste e degli sconvolgimenti che ne seguiranno. Annie Cohen-Solal affonda le radici del suo racconto nel passato remoto della famiglia Castelli, ne rintraccia gli antenati nella Toscana rinascimentale e ricostruisce una storia fitta di persecuzioni, guerre, rotture, spostamenti, che offre sorprendenti analogie con il passato più recente della famiglia e con la parabola stessa di Leo. Ironia della sorte: un uomo sempre reticente sulla propria identità ebraica trova proprio nel Jewish Museum, dopo il MOMA, l’istituzione che lo sancirà come paladino dei grandi movimenti dell’arte americana – dal Pop al Concettuale – che sono l’imponente lascito di Leo Castelli.

Cos’è una metodologia? Performance come metodologia non si pone l’obiettivo di rispondere a questa domanda, ma vuole mettere in atto (quindi performare) una serie di interrogativi attorno all’uso della performance come pratica artistica ma soprattutto conoscitiva. Per far ciò il volume prende in esame alcuni metodi d’indagine che analizzano il medium espressivo della performance e, contemporaneamente, guarda a come la ricerca e l’esperienza conoscitiva presentino di per sé dei tratti rapportabili alla performance. Il testo intreccia percorsi di ricerca diversi che si relazionano tra di loro attraverso una doppia trama: si guarda alla performance come oggetto di studio e allo stesso tempo si mettono in evidenza gli aspetti performativi della metodologia di ricerca. La scrittura, come gesto, si lega a specifici contesti spazio-temporali e alla lettura di documenti, foto, tracce e come azione cambia continuamente forma. Il volume si compone di diverse tipologie testuali che vanno dall’analisi dei testi all’interpretazione personale, dal disegno grafico alla presentazione di esercizi performativi che potranno essere messi in atto da un ipotetico gruppo di persone.”Nel web perdiamo la fisicità del corpo e dei sensi che determinano l’esperienza. Prendiamo per esempio il tatto: toccare è quel gesto “ambivalente” in cui il soggetto entra in relazione con l’altro, percependo anche la propria soggettività. Nel web il soggetto non fa esperienza attraverso l’ambivalenza tattile della percezione, influenzando ed essendone influenzato. Non c’è contaminazione (con, con + tangere toccare: letteralmente “con il toccare”) perché è stato materialmente eliminato l’altro con cui entrare in contatto. Viene a mancare quell’esperienza che trasforma le informazioni in qualcosa di tangibile che il nostro corpo possa percepire per produrne conoscenza. Il contatto con l’esperienza è alla base del processo di apprendimento, infatti nel luogo di una classe – concepito come spazio fisico generico in cui avviene la condivisione tra soggetti – l’esperienza del conoscere si concretizza in un evento materiale e, pertanto, tangibile per il soggetto. Il contatto con il sapere che avviene in una classe non è dato dalla prossimità tra i diversi elementi che la compongono, ma attraverso un processo di differenziazione. Non è un luogo intimo, ma uno spazio pubblico in cui è importante mantenere la distanza tra i singoli soggetti”. (Jacopo Miliani – dall’introduzione)

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