«Non sono un mercante d’arte, sono un gallerista» amava ripetere Leo Castelli. Per i suoi artisti è stato molto di più: un mecenate. Dall’apertura della prima galleria nel 1957 fino alla morte nel 1999, Castelli domina la vita culturale newyorkese ed eleva lo status dell’artista americano, che in quegli anni raggiunge la vetta più alta nel panorama artistico mondiale. Con lui si afferma la figura del gallerista polivalente. Imprenditore e infaticabile scopritore alla perenne ricerca del nuovo, è pronto a correre rischi e a servirsi delle strategie commerciali più efficaci per dare visibilità ai suoi protetti. Affiancato da Ileana Sonnabend – ex moglie con cui mantiene un rapporto di grande complicità – Castelli incoraggia i talenti emergenti e li promuove presso le istituzioni museali. Tramite una vasta rete di rapporti internazionali reinventa le regole del mercato e rivoluziona la cultura artistica stessa. La scoperta di Jasper Johns, suo artista feticcio, e la consacrazione di Robert Rauschenberg alla Biennale di Venezia del 1964 sono solo i primi colpi messi a segno. Si susseguono numerose altre epifanie – Frank Stella, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, James Rosenquist, Cy Twombly, per citarne solo alcuni – che lo confermano come creatore di miti. Ma chi è Leo Castelli, l’uomo che ha atteso i cinquant’anni per aprire la sua prima galleria? Dietro il carisma di europeo affabile e mediatico si nasconde un uomo dalle molteplici identità. Nato nel 1907 a Trieste da genitori ebrei, Leo trascorre i primi trent’anni nelle grandi città d’Europa – Vienna, Milano, Budapest, Bucarest, Parigi. La sua traiettoria professionale inizia con l’esodo rocambolesco nel Nuovo Mondo per fuggire al drammatico contesto politico-sociale delle leggi razziali naziste e degli sconvolgimenti che ne seguiranno. Annie Cohen-Solal affonda le radici del suo racconto nel passato remoto della famiglia Castelli, ne rintraccia gli antenati nella Toscana rinascimentale e ricostruisce una storia fitta di persecuzioni, guerre, rotture, spostamenti, che offre sorprendenti analogie con il passato più recente della famiglia e con la parabola stessa di Leo. Ironia della sorte: un uomo sempre reticente sulla propria identità ebraica trova proprio nel Jewish Museum, dopo il MOMA, l’istituzione che lo sancirà come paladino dei grandi movimenti dell’arte americana – dal Pop al Concettuale – che sono l’imponente lascito di Leo Castelli.

This project avoids traditional narratives that relegate ceramics to the margins of the arts, instead paying tribute to the medium by questioning it as a heterogeneous material capable of telling numerous stories. Starting with the creation of the first Artistic Pottery of Monaco in the latter half of the 19th century, this publication highlights major figures in the history of ceramics in the Principality – Charles and Marie Fischer, Eugène Baudin, and Albert Diato – and examines the work of many artists including Johan Creten, Simone Fattal, George Ohr, Ron Nagle, Pablo Picasso, and Magdalena Suarez Frimkess. Some of these artists, despite historical or geographical distances, share deep connections and unexpected complicities. This publication gathers several interpretations that this malleable medium has inspired over more than a century, reflecting the ceramic artists’ aspiration to shift perspectives. It brings together texts by Cecilia Canziani, Valérie Da Costa, Chus Martínez, Cristiano Raimondi, and Agnès Roux in a bilingual French-English edition. Published following the eponymous exhibition at the New National Museum of Monaco – Villa Sauber, from September 18, 2020, to January 31, 2021.

Ten Cities tells the story of club music and club cultures in ten urban centres across Africa and Europe from 1960 to March 2020. It looks beyond the North Atlantic locations that are usually assumed to be the main focus of attention and sets out to put together a more inclusive narrative. Bringing clubs to the fore as nocturnal laboratories for different ways of life, the book portrays the cities’ music subcultures in twenty-one essays, playlists, and photo sequences – before COVID-19 impacted creative communities worldwide. It is a retrospective testimony to their living spirit, a rhythmanalysis mediated by sound and night. With essay by: Rui Miguel Abreu, Vitalii Bard Bardetski, Vítor Belanciano, Tony Benjamin, Danilo Capasso, Vincenzo Cavallo, Iain Chambers, Kateryna Dysa, Johannes Ebert, Maha ElNabawi, Michelle Henning, Rangoato Hlasane, Johannes Hossfeld Etyang, Rehan Hyder, Mukami Kuria, Ângela Mingas, Ali Abdel Mohsen, Marissa J. Moorman, Joyce Nyairo, Sean O’Toole, Sellanga Ochieng’ Blinky Bill, Bill Odidi, Tobias Rapp, Florian Sievers, Peter Wafula Wekesa, Mallam Mudi Yahaya. Edited by Johannes Hossfeld Etyang, Joyce Nyairo, Florian Sievers. With photographs by Anita Baumann, Beezer, Royce Bett, Tilman Brembs, Giovanni Calemma, Martin Eberle, Mosa’ab Elshamy, Nina Fischer & Maroan el Sani, Max Fonseca, Kiluanji Kia Henda, Andreas Langfeld, Lucio Luongo, Musa N. Nxumalo, Eva Maria Ocherbauer, Chris Saunders, Jürgen Schadeberg, Gavin Watson, Tobias Zielony, a.o.

For many, architecture is a service whose goal is building; but for others, it is a field of intellectual research and method of inquiry. Edited by CCA chief curator Giovanna Borasi for the eponymous exhibition, The Other Architect is a timely and beautifully designed source book/catalog. The handsome volume contains reproductions of ephemera from over 20 research organizations developed by architects between 1968 and 2011. A wealth of ideas and approaches to archi- tectural thinking are neatly explicated in captions accompanying each section and augmented in brief essays by international architects, theorists, teachers, writers and curators. Among the organizations featured are Rem Koolhaus s AMO, Art Net, Global Tools, MIT s Architecture Machine Group, Eyal Weizman s Forensic Architecture, ARAU, Design-A-Thon, Delos Symposium, Anyone Corp and CIRCO. A must-have for anyone interested in the field of architecture, this publication describes the rich life of architecture beyond building as thinking process, method and research tool. Contributions by: Florencia Alvarez, Pepe Avilés, Greg Barton, Samuel Dodd, Isabelle Doucet, Ole W. Fischer, Anna Foppiano, Kim Förster, Larissa Harris, Owen Hatherley, Alison B. Hirsch, Douglas Moffat, Whitney Moon, Peirluigi Nicolin, Kayoko Ota, Panayiota Pyla, Angela Rui, Deane Simpson, Johanne Sloan, Molly Wright Steenson, Rebecca Taylor, and Mirko Zardini.

This edited collection of essays and image-driven pieces by anthropologists, archaeologists, architects, and historians examines the legacies of African architecture from around the time of independence through examples from different countries. Drawing on ethnography, archival research, and careful observation of buildings, remains, and people, the case studies seek to connect the colonial and postcolonial origins of modernist architecture, the historical processes they underwent, and their present use and habitation, adaptation, and decay.  Deriving from a workshop in connection with the 2015 exhibition “Forms of Freedom” at the National Museum in Oslo and the Venice Biennale, the volume combines recent developments in architectural history, the anthropology of modernism and of material culture, and contemporary archaeology to move beyond the admiration or preservation of prized architectural “heritage” and to complicate the contemplation—or critique—of “ruins” and “ruination.”

The publication Object Notes: Just a Little Rest is an extension to the exhibition ‘Etwas mehr als Arbeit’, presented at Kunstverein Göttingen from October 11 – December 13 2020. In the exhibition ‘Etwas mehr als Arbeit’ the research project Object Notes by Malte Roloff and Santiago da Silva in collaboration with the curator Tomke Braun presents constellations of objects, materials, processes and documents from art and design, art production, and restoration. The project explores the idea of manufacture as an entry point to the question of who, how and under which conditions contemporary art is produced. It examines the use and significance of craftsmanship and labour in contemporary art and how the knowledge about its production affects its perception. The publication presents different contributions by the participants of the project. The formats range from loose page inserts, literary fiction and a conversation, to an especially commissioned essay by British design historian Tanya Harrod. With contributions by Armando Andrade Tudela, Carolin Bohlmann, Marte Eknæs, Viola Eickmeier, Kasia Fudakowski, Kaufhaus des Ostens, Valentina Jager, Rasmus Søndergaard Johannsen, Philipp Modersohn, Ana Navas, Anna M. Szaflarski, Tanya Harrod, Tomke Braun, Malte Roloff, Santiago da Silva.

Dalla sua scomparsa nel 1968, l’influenza di Marcel Duchamp, “l’uomo più intelligente del xx secolo” nelle parole di André Breton, non ha smesso di imporsi nel paesaggio dell’arte contemporanea. Dal Futurismo al Cubismo, dal Dadaismo al Surrealismo, la sua arte si intreccia alle grandi avventure estetiche del Novecento senza mai ridursi a nessuna di esse. Se Picasso insiste nel propugnare la figura dell’artista demiurgo, Duchamp, grazie all’invenzione del readymade, incarna invece il modello dell’artista contemporaneo ed è riconosciuto a partire dagli anni sessanta come fonte incontestabile di ispirazione da parte delle giovani generazioni di artisti. Molto è stato scritto sulla sua opera, ma assai di meno sulla sua vita. Una vita che Duchamp costruisce al di fuori delle categorie correnti, non già come artista o anarchico ma, per riprendere un suo neologismo, come “anartista”. Eleganza distaccata, libertà di indifferenza, compenetrazione dei contrari cui si aggiungono una costante rivendicazione della pigrizia e un disprezzo fisiologico per il denaro – diventano in lui gli strumenti originali di un modo inedito di porsi di fronte al mondo e alle cose. “Preferisco vivere, respirare piuttosto che lavorare.” Duchamp si è pronunciato spesso sulla propria vita con caustiche dichiarazioni che nel loro insieme delineano una personale economia di vita (ridurre i bisogni per essere davvero liberi) e una vera e propria arte di vivere. D

Dalla sua scomparsa nel 1968, l’influenza di Marcel Duchamp, “l’uomo più intelligente del xx secolo” nelle parole di André Breton, non ha smesso di imporsi nel paesaggio dell’arte contemporanea. Dal Futurismo al Cubismo, dal Dadaismo al Surrealismo, la sua arte si intreccia alle grandi avventure estetiche del Novecento senza mai ridursi a nessuna di esse. Se Picasso insiste nel propugnare la figura dell’artista demiurgo, Duchamp, grazie all’invenzione del readymade, incarna invece il modello dell’artista contemporaneo ed è riconosciuto a partire dagli anni sessanta come fonte incontestabile di ispirazione da parte delle giovani generazioni di artisti. Molto è stato scritto sulla sua opera, ma assai di meno sulla sua vita. Una vita che Duchamp costruisce al di fuori delle categorie correnti, non già come artista o anarchico ma, per riprendere un suo neologismo, come “anartista”. Eleganza distaccata, libertà di indifferenza, compenetrazione dei contrari cui si aggiungono una costante rivendicazione della pigrizia e un disprezzo fisiologico per il denaro – diventano in lui gli strumenti originali di un modo inedito di porsi di fronte al mondo e alle cose. “Preferisco vivere, respirare piuttosto che lavorare.” Duchamp si è pronunciato spesso sulla propria vita con caustiche dichiarazioni che nel loro insieme delineano una personale economia di vita (ridurre i bisogni per essere davvero liberi) e una vera e propria arte di vivere.

Fin dagli esordi Duchamp ha intrecciato con la fotografia un rapporto fecondo che ha attraversato la sua opera a più livelli, caricando il medium di nuove potenzialità. Macchina che vede ma non sceglie, che preleva frammenti di realtà senza l’intervento diretto della mano dell’artista, l’apparecchio fotografico è del tutto congeniale alla poetica duchampiana dell’indifferenza e del non fare. Non a caso egli abbandona il disegno e la pittura più tradizionali – colpevoli di fermarsi al retinico, cioè a una sensorialità e quindi anche a una scelta dettata dal gusto – per abbracciare un’attitudine “infrasottile”, categoria che racchiude quanto sfugge alla percezione umana e che può essere colto unicamente con l’ausilio della materia grigia. L’immagine – in primis quella fotografica – non è mai solo quello che è, né mostra solo ciò che rappresenta. Al contrario, è una porta su qualcos’altro, una breccia in quella quarta dimensione su cui Duchamp si arrovella senza requie: essa richiede allo spettatore un supplemento di attenzione, un secondo sguardo che non si fermi alle apparenze, dietro le quali, come nel gioco degli scacchi, un gambetto è in agguato. Sarebbe ingannevole, per esempio, considerare le numerose apparizioni fotografiche di Duchamp – la sua tonsura a stella immortalata da Man Ray, l’artista seduto a un tavolino e mentre cammina per strada nelle celebri immagini di Ugo Mulas, o ancora lo strabiliante “Marcel Duchamp all’età di 85 anni” – come tradizionali ritratti d’autore o di circostanza. Nascono invece dall’azione combinata di chi sta davanti e dietro la macchina fotografica, in un complesso gioco di rimandi dove le allusioni impalpabili eppure cruciali dell’arte di Duchamp non lasciano dubbi sulla loro intenzionalità come opere. Elio Grazioli documenta tutti i casi in cui il fotografico e la riflessione su di esso fanno capolino nell’opera dell’artista e ne indaga le risonanze all’interno del sistema duchampiano. Un sistema in cui ciascun elemento entra a pieno titolo in una strategia complessiva che prescinde dalla diversità dei materiali e anticipa un modo di fare arte che è oggi fra i più diffusi: quello di non specializzarsi in un solo linguaggio ma di metterli tutti al servizio di un’idea.

Artista fra i più innovativi e influenti della sua generazione, Robert Rauschenberg è figura chiave nei cambiamenti radicali che animano l’arte visiva americana dalla fine degli anni cinquanta. Rauschenberg compie i suoi primi passi nel mondo dell’arte sfidando con audacia ogni presupposto. Dal primo soggiorno-studio a Parigi all’esperienza formativa di Black Mountain College fino al Leone d’oro alla Biennale di Venezia del 1964 che lo consacra come artista riconosciuto a livello internazionale, il suo percorso esce dai tracciati convenzionali e si colloca nel campo di una sperimentazione che infrange ogni regola, trasformando lo spazio bidimensionale del dipinto in un ricettacolo di materiali eterogenei. Ritagli di giornale, pezzi di stoffa, fotografie, objets trouvés, nulla è escluso dai combine paintings, creazioni ibride a metà strada fra pittura e scultura, che coniugano l’amore per l’oggetto di rifiuto, ereditato dal collage dadaista, con la pennellata astratto-informale. Calvin Tomkins ci offre uno spaccato della rivoluzione che ha visto l’arte uscire da musei e gallerie per proiettarsi al centro dello scenario sociale; ce ne presenta i protagonisti: Pollock e de Kooning, Jasper Johns, Frank Stella e Andy Warhol; documenta l’ascesa che ha portato ai vertici dell’arte e del successo l’artista che più di ogni altro, in questo contesto, ha mirato a un’arte cumulativa.

“Vitalità del negativo nell’arte italiana 1960-70” fu la prima mostra organizzata da Incontri Internazionali d’Arte (associazione fondata da Graziella Lonardi Buontempo a Roma) e diede avvio a un’importante attività di promozione dell’arte contemporanea, italiana ed estera. La mostra riunì 33 artisti che sono oggi l’emblema dell’arte italiana degli anni sessanta e settanta: Vincenzo Agnetti, Carlo Alfano, Getulio Alviani, Franco Angeli, Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Agostino Bonalumi, Davide Boriani, Enrico Castellani, Gianni Colombo, Gabriele De Vecchi, Luciano Fabro, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Jannis Kounellis, Francesco Lo Savio, Renato Mambor, Piero Manzoni, Gino Marotta, Manfredo Massironi, Fabio Mauri, Mario Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Vettor Pisani, Michelangelo Pistoletto, Mimmo Rotella, Piero Sartogo, Paolo Scheggi, Mario Schifano, Cesare Tacchi, Giuseppe Uncini, Gilberto Zorio. A dare testimonianza dell’evento fu chiamato Ugo Mulas, il più attento fotografo della scena artistica internazionale dell’epoca, che eseguì il reportage dell’evento con il suo stile inconfondibile. A distanza di quarant’anni, il volume si incentra proprio su questo reportage, rimasto largamente inedito per la precoce scomparsa del fotografo: le circa 130 immagini offrono un viaggio tra gli artisti, le istallazioni e i visitatori, e una lettura fotografica lucidissima di una mostra cruciale per l’arte contemporanea italiana. Il libro è anche un utile strumento di storia della fotografia che approfondisce la ricerca personale del fotografo e il suo dialogo con gli artisti: durante l’inaugurazione di “Vitalità del negativo” Ugo Mulas realizzò una delle prime immagini della serie “Verifiche” che, per il rigore formale e l’analisi del medium, è considerata tra le opere più importanti della fotografia dell’epoca.

A

Studio Achermann

Atalante

B

Barbara says

Bart de Baets

Ludovic Balland

Bizzarri Rodriguez

Remko van Bladel

Blank Blank

Fabian Bremer

Brusatto

Büro 146

C

Ines Cox
cyan

D

Daily Dialogue

Wayne Daly

Vanessa van Dam

Santiago da Silva

Luc Derycke

Dexter Sinister

Markus Dressen

E

Elektrosmog

Experimental Jetset

G

Till Gathmann

Gavillet & Rust

Joe Gilmore

Matthias Görlich

Gabriele Franziska Gotz

Hans Gremmen

Sam de Groot

Joost Grootens

H

Hansje van Halen

Jonathan Hares

Sara Hartman, John McCusker [vaguely contemporary]

Studio Krispin Heé

HIT

Rob van Hoesel

Wang Zhi Hong

Iza Hren

Kim Hyung-Jin

I

Interkool

K

Sandra Kassenaar

Chad Kloepfer

Katharina Köhler

Simone Koller

Kummer & Herrman

Corina Künzli

J

Jeremy Jansen

Bethany Johns

L

Lamm & Kirch

Christian Lange

Aude Lehmann

Adrian Van Leuven

Joseph Logan

Marie Lusa / derrierlacolline

Alvin Lustig

M

Jurgen Maelfeyt
Bruno Margreth / Studio Letzi
Adriaan Mellegers
Metahaven
Sven Michel
Philippe Millot
Moiré [Marc Kappeler / Markus Reichenbach / Ruth Amstuts]
Adeline Mollard
Melanie Mues
Fraser Muggeridge
Roelof Mulder

N

Node Berlin Oslo

O

OK-RM

Claudia Ott

P

Juliem Peeters

Pentagram

Scott Ponik

Prill & Vieceli
ProjectProjects
Pure+Applied
Purtill Family Business

R

Manuel Raeder

Nicola Reiter
Gregoire Romanet

Daniel Rother

S

Jérôme Saint-Loubert Bié
Floyd E. Schulze
Jörg Schwertfeger
Spassky Fischer
Pascal Storz
Stout/Kramer
Studio Hato

Studio Krispin Hée

Studio Marie Lusa

Studio Storz

Surface
Adéla Svobodová
Tracey Schiffman & Alex Kohnke

T

Leila Tabassomi
Filiep Tacq
Johan Thermænius
Thumb

U

Underbau

V

Studio Christopher Victor

W

Quentin Walesch
Trix Wetter & Iza Hren
Roger Willems

WTHM-Büro für Gestaltung

Z

Zak Group
Corinne Zellweger

 

Radical pedagogy from Bauhaus to Black Mountain: a defining document of ’60s counterculture
Maurice R. Stein and Larry Miller’s Blueprint for Counter Education is one of the defining (but neglected) works of radical pedagogy of the Vietnam War era. Originally published as a boxed set by Doubleday in 1970, the book was accompanied by large graphic posters that could serve as a portable learning environment for a new process-based model of education, and a bibliography and checklist that map patterns and relationships between radical thought and artistic practices―from the modernist avant-gardes to postmodernism, from the Bauhaus to Black Mountain College, from Theodor Adorno and Walter Benjamin to Buckminster Fuller and Norman O. Brown―with Herbert Marcuse and Marshall McLuhan serving as points of anchorage. Blueprint for Counter Education thus serves as a vital synthesis of the numerous intellectual currents in the countercultural debate on the radical reform of schools, universities and ways of learning. To accompany this new facsimile edition of the book and posters, an 80-page booklet features a conversation with the original Blueprint creators, Maurice R. Stein, Larry Miller and designer Marshall Henrichs, as well as essays from Jeffrey Schnapp, Paul Cronin and notes on the design by Adam Michaels of Project Projects.
Marshall Henrichs is a painter as well as a graphic designer; he studied with Richard Lindner, Walter Murch, George McNeil and Fredrico Castellon at the Pratt Institute. After graduation, he worked for several major New York publishers including Doubleday, where he served as art director. Among his editorial projects were various mainstream projects but also counterculture outliers such as Blueprint for Counter Education and Ira Einhorn’s 78–187880 (Doubleday, 1972).
Larry Miller, sociologist, was a member of the editorial collectives of the New American Movement newspaper and the journal Socialist Revolution/Socialist Review. He has written about major theorists and writers such as Marx, Gramsci, Althusser and Machiavelli.
Maurice R. Stein is an American sociologist and innovator in higher education. Stein is co-recipient of the 1987 Robert and Helen Lynd Lifetime Achievement Award bestowed by the American Sociological Association’s Community and Urban Sociology Section. Retired from Brandeis University since 2002, Stein resides in Cambridge, Massachusetts.
Paul Cronin is the editor of On Film-Making: An Introduction to the Craft of the Director (2004), a collection of writings by British director Alexander Mackendrick; Werner Herzog’s A Guide for the Perplexed (2014), an interview book with the German director; and Lessons with Kiarostami (2014), based on workshops conducted by Iranian director Abbas Kiarostami. His films include “Look out Haskell, it’s real!” The Making of Medium Cool (2001; re-edited 2013), Film as a Subversive Art: Amos Vogel and Cinema 16 (2003), In the Beginning was the Image: Conversations with Peter Whitehead (2006) and A Time to Stir (forthcoming, 2017), a 15-hour historical documentary about the student protests at Columbia University in 1968.
Adam Michaels is the cofounder of New York–based design studio Project Projects and the founder of Inventory Press. His work focuses on the active synthesis of typography and images―as well as editorial and design work―as a means of conveying significant content to diverse audiences. Project Projects works on books, exhibitions, identity systems and websites with clients such as the Canadian Centre for Architecture, MoMA, SALT Istanbul and Steven Holl Architects, and has been chosen twice as a finalist for the Cooper-Hewitt National Design Awards. The studio’s work has been widely published, and its principals have lectured and taught both nationally and internationally. The third and most recent title in the Inventory Books series is The Electric Information Age Book: McLuhan/Agel/Fiore and the Experimental Paperback, by Jeffrey T. Schnapp and Adam Michaels, which was further elaborated upon as a full-length vinyl LP entitled The Electric Information Age Album.
Before moving to Harvard in 2011, Jeffrey T. Schnapp occupied the Pierotti Chair of Italian at Stanford University, where he founded the Stanford Humanities Lab in 1999. A cultural historian, designer and curator, he is the author of over 20 books and hundreds of essays. His most recent books are The Electric Information Age Book (Princeton Architectural Press, 2012); Modernitalia (Peter Lang, 2012); and Digital_Humanities (MIT Press, 2012), coauthored with Anne Burdick, Johanna Drucker, Peter Lunenfeld and Todd Presner. The Library beyond the Book, coauthored with Matthew Battles, was published by Harvard University Press in 2014. Schnapp is professor of romance literatures at Harvard, where he also teaches in the Department of Architecture at the Graduate School of Design, in addition to directing metaLAB and codirecting the Berkman Center for Internet and Society.

he narrative of the artist’s life and work is one of the oldest models in the Western literature of the visual arts. In Art as Existence, Gabriele Guercio investigates the metamorphosis of the artist’s monograph, tracing its formal and conceptual trajectories from Vasari’s sixteenth-century Lives of the Painters, Sculptors, and Architects (which provided the model and source for the genre) through its apogee in the nineteenth century and decline in the twentieth. He looks at the legacy of the life-and-work model and considers its prospects in an intellectual universe of deconstructionism, psychoanalysis, feminism, and postcolonialism. Since Vasari, the monograph has been notable for its fluidity and variety; it can be scrupulous and exact, probing and revelatory, poetic and imaginative, or any combination of these. In the nineteenth century, the monograph combined art-historical, biographical, and critical methods, and even added elements of fiction. Guercio explores some significant books that illustrate key phases in the model’s evolution, including works by Gustav Friedrich Waagen, A. C. Quatremère de Quincy, Johann David Passavant, Bernard Berenson, and others. The hidden project of the artist’s monograph, Guercio claims, comes from a utopian impulse; by commuting biography into art and art into biography, the life-and-work model equates art and existence, construing otherwise distinct works of an artist as chapters of a life story. Guercio calls for a contemporary reconsideration of the life-and-work model, arguing that the ultimate legacy of the artist’s monograph does not lie in its established modes of writing but in its greater project and in the intimate portrait that we gain of the nature of creativity.

1963 wurde mit dem Frankfurter Auschwitz-Prozeß (in 20 Monaten bis 1965) gegen 20 SS-Verbrecher in Frankfurt am Main der bis dahin größte Schwurgerichtsprozeß der bundesdeutschen Justizgeschichte eröffnet. Niemals zuvor haben so viele Überlebende (211 Personen) des zentralen Vernichtungslagers eingehender die Wahrheit und Wirklichkeit von Auschwitz bezeugen können, wurde ein so authentisches Bild der nationalsozialistischen Judenverfolgung der Welt vor Augen geführt. Das perfide Terrorsystem der SS, die Methodik und Systematik totaler Herrschaft, macht kaum ein anderes historisches Beispiel klarer. Dieses zeitgeschichtliche Ereignis nimmt das Fritz Bauer Institut an der Johann Wolfgang Goethe Universität, Studien- und Dokumentationszentrum zur Geschichte und Wirkung des Holocaust, zum Anlaß für eine Gedenkausstellung, in der sowohl der wirkungsgeschichtliche Hintergrund des Verfahrens, seine historische Einordnung, sein Echo als auch juristische, politische und kulturelle Folgen darge stellt werden. Die Ausstellung und der zudem für wissenschaftliche Zwecke gedachte Katalog behandeln alle Kapitel des Holocaust: angefangen von einer Chronik der “Endlösung”, über eine historische Einordnung der Prozesse von Nürnberg, Warschau (gegen den Auschwitz-Kommandanten Höß) und Jerusalem (gegen den Organisator der Deportationen Eichmann), bis hin zur Frage der Täter- und Gehilfenschaft sowie der Rekonstruktion des Auschwitz-Prozesses am Beispiel von sechs Angeklagten. Dabei rückt nach jahrelanger Transkription der Tonbandmitschnitt des Prozesses das Zeugnis der Überlebenden in den Mittelpunkt. Die Vorstellung Hanah Arendts, den Holocaust nicht nur wisenschaftlich, sondern künstlerisch zu fassen, um so “das Nacherzählen in Gang (…) zu bringen”, folgen zudem die Interventionen einer Reihe eigens eingeladener Künstlerinnen und Künstler: Tamy Ben-Tor, Tania Bruguera, Loris Cecchini, Els Dietvorst, Claus Föttinger, Robert Kusmirowski, Hermann Maier Neustadt, Bojan Sarcevic, Wilhe lm Sasnal, Silvia Schreiber, Joachim Seinfeld und Gitte Villesen.

Clouds are fleeting entities studying them so as to correctly classify, name and read their forms was considered in the 19th and early 20th centuries an important step in coming to understand the secrets of the atmosphere. In its early stages photography offered scientists completely new ways of depicting clouds. They used cameras to make precise, lifelike images, which provided in turn insights into the interaction of clouds and the atmosphere. Helmut Völter’s Cloud Studies presents six different stations of scientific cloud photography, from its beginnings in the 1880s to the images made by the first weather satellites in the 1960s. Each of the six chapters represents a very different scientific and photographic perspective of clouds. With an essay by Marcel Beyer; photographs by Albert Riggenbach, Ralph Abercromby, anonymous pilots of World War I, Ferdinand Quénisset, Philippe Schereschewsky, Philippe Wehrlé, Masanao Abe and the Tiros weather satellites; and excerpts from works by Jean Baptiste Lamarck, Luke Howard, Johann Wolfgang Goethe, John Ruskin, Gerard Manley Hopkins, William Clement Ley and others.

This publication is a catalogue produced in conjunction with an exhibition commemorating the 40th anniversary of the release of the album, The Velvet Underground and Nico. The album, perhaps the most famous debut by any band in the history of rock and roll, continues to resonate today with collectors, indie-rockers, aficionados, critics and the culture at large. Its enormous presence, however, had yet to be fully examined in an exhibition. This show attempted to correct that oversight, offering the most comprehensive collection of Velvet Underground memorabilia and artifacts yet to be seen in New York City. The catalogue tells the story of the album and the Velvet Underground through the historical artifacts of the period. Drawn from public and private collections, the show featured reproductions of rare printed work – posters, books, silk-screens, ads, reviews, and ephemera – as well as albums and photographs. The look, a fascinating hybrid of art, design and musical cool, is all documented here with text contributions from Johan Kugelberg, William Gibson, John McWhinnie, Jon Savage, Jonathan Richman, Jack Womack and Richard Prince.

A visual essay of 19th and 20th century painting relating to the concept of portaling along with a piece of reportage concerning a writer named Eleanor Norwich. Exhibition catalogue published in conjunction with show held jointly at Kent Fine Art and Curt Marcus Gallery, New York, November 17 – December 31, 1987. Curated by Douglas Blau, with essay by Blau. Includes works by Troy Brauntuch, Ralph Albert Blakelock, Thomas Moran, Charles Wilson Peale, Johannes Vermeer, William Merritt Chase, Randy Dudley, Chesley Bonestell, Norman Rockwell, John Bowman, Thornton Oakley, Caspar David Friedrich, James Abbott McNeill Whistler, Cindy Sherman, Hans W. Hannau, Stanford Gifford, William Cameron Menzies, Richard Bergh, Winslow Homer, Joseph M. Newman, Stanley Kubrick, Hugh Ferriss, Arnold Genthe, Mark Innerst, Eugene Medard, Eugene Chaperon, Joseph Wright of Derby, David Deutsch, Thomas Eakins, Charles West Cope, Charles Lewis Fusell, C.E. Swaye, Thomas Anshutz, George Pal, Virgil Mirano, Howard Hawkes, Jack Conway, Charles H. Stephens, Johann Zoffany, John Ferguson Weir, Walter Dorwin Teague, Thomas Cole, Jan Christiaensz, Jack Goldstein, Komar & Melamid, William L. Sonntag, Hubert Robert, Bonfils, Elihu Vedder, Edwin Dickinson, William Bradford, Jospeh Mallord, William Turner, Frederic Edwin Church, Michael Zwack, Arnold Böcklin, Alain Resnais, Karl Friedrich Schinkel, George Caleb Bingham, Thomas Wilmer Dewing, Joseph Hirsch, Fernand Khnopff, James Rosenquist, Giuseppe Pellizza Da Volpedo, Chuck Rogers, Angelo Morbelli, Gustave Caillebotte, Michele Zalopany, Edward Hopper, John Singer Sargent, and Rembrandt van Rijn.

Brussels-based 51N4E deals with matters of architectural design, concept development, and strategic spatial transformations. Headed by Johan Anrys and Freek Persyn, the office was founded in 1998 and aspires to contribute to social and urban transformation. This book – part photo-novel, part real-life journey – tells the story of 51N4E in multiple ways. Combining short stories by Falma Fshazi with photographs by Stefano Graziani, it is a narrative of discovery and embracing otherness, as well as a retrospective look at projects since 2004. It describes the encounters and processes by which the architects learned to operate in a culture and context very different from their own.

Figure solitarie assorte in drammi silenziosi. Lo spazio, ridotto all’essenziale, è reale e allo stesso tempo metafisico, immerso in una luce tersa e implacabile. La scena è quasi sempre deserta, l’atmosfera densa di attesa. I paesaggi umani di Edward Hopper risultano laconici ed evocativi quanto quelli urbani o rurali svuotati di presenze umane e di suoni. Che uomo si nasconde dietro una così penetrante visione? In che circostanze ha generato i suoi drammi pittorici? Artista taciturno e introverso, Edward Hopper si è espresso poco sulla propria vita. È in gran parte grazie ai diari e alle lettere della moglie Jo, scritti nel corso di una simbiosi coniugale durata più di quarant’anni, che prende corpo la biografia monumentale di uno dei grandi interpreti della scena americana moderna, un pittore che ha lasciato un segno indelebile sulla posterità, tanto nelle arti visive quanto nel cinema. Gail Levin ha attinto a materiali per lo più inediti per offrirci una narrazione coinvolgente in cui la genesi dei capolavori si alterna al resoconto delle vicende quotidiane più intime condivise con Jo, in un teatro domestico carico di attrazione e conflitti violenti, di ammirazione e sostegno, di ostilità e riconciliazioni. Come modella dei suoi lavori, pungolo intellettuale, artista vissuta nell’ombra e sua prima sostenitrice, Jo Nivison Hopper ebbe un ruolo chiave per il successo del marito e un ruolo da co-protagonista le è riservato nelle pagine di questo libro.

The collection of texts on contemporary art by Jean-Christophe Ammann, with essays on, among others, Alighiero Boetti, Louise Bourgeois, Miriam Cahn, David Claerbout, Marlène Dumas, On Kawara, Markus Raetz, Pipilotti Rist, Rosemarie Trockel, and Jeff Wall. Préface de l’édition française Chapitre I Qu’est-ce que l’art ? L’art commence là où s’arrête le goût Déterminer une position Créativité et innovation Tentatives d’unification Chapitre II Art et public Lire des images et penser dedans des images « Ça, je peux le faire aussi » Chapitre III Musées, collectionneurs, marché de l’art De la maison de l’art aux œuvres qui y sont logées Vademecum pour les commissaires Connaissez-vous Marbot ? Chapitre IV Espace et temps Le point temporel : la date – On Kawara A propos des cartes du monde (Mappa) de Alighiero Boetti et de quelques œuvres analogues L’insondable Francesco Clemente Méditer – Jürgen Krause Le monde avec la tête à l’envers – Markus Raetz Réciprocité – pas de réciprocité : Andreas Slominski Un autre regard sur l’œuvre de Franz Gertsch Anton Henning, le peintre Andy Warhol – Superstar Espérons que le magnétophone fonctionne – un entretien avec Matthias Weischer Paul Thek : transsubstantiation Chapitre V Femmes – Hommes, Erotisme – Sexualité Qu’est-ce qui distingue une artiste femme d’un artiste homme ? Trois artistes femmes et leurs perspectives : Zoe Leonard, Cecilia Edefalk, Miriam Cahn Les femmes de Bettina Rheims (avec des commentaires de Natalie de Ligt) Marlene Dumas – tendre, débauchée, clairvoyante et extatique La pornographie sous-estimée Traumatismes – presque comme dans un conte de fées : Sandra Vásquez de la Horra Homme et femme – Eric Fischl Max Mohr : pourquoi toujours dans un lit ? Masculin – féminin : Rosemarie Trockel Métamorphoses – Elly Strik Vagabonder – les bagues de Dieter Roth Le chien aimant : Johannes Hüppi Porter l’intime dans le monde – Lucie Beppler Les extases de Martin Eder Nobuyoshi Araki Tracey Emin parle d’elle-même Faire pipi – Pipilotti Rist Christoph Hein : Frau Paula Trousseau Antéchrist de Lars von Trier Chapitre VI Torture/Violence Des cuisines comme des instruments de torture – Louise Bourgeois Robert Gober : « La Vierge Marie » au Schaulager de Bâle Les sept dernières paroles Chapitre VII La société – Ordre/Désordre Les pilules miracle de Dana Wyse Fantasmagories : Single Wide – Teresa Hubbard et Alexander Birchler House with Pool – Teresa Hubbard et Alexander Birchler Fratricide : Whitehouse de David Claerbout Pièges – Andreas Slominski « Do it yourself » – Ceal Floyer Jeff Wall – The Storyteller Stefan Exler raconte Un réaliste : Philipp Hennevogl Jeux de rôles vécus – Slawomir Elsner Une merveille : les dessins, aquarelles et vases d’Anna Lea Hucht La clairvoyance intime d’Irene Bisang La perception nue – Judith Ammann Des portes, des portes d’immeubles et des entrées Des escaliers Fenêtres de rue – regarder dedans, regarder dehors, se taire Vérification : la photographie en tant qu’art reste à découvrir Références biographiques Liste et crédits des illustrations

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